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艺术设计专业理论是什么

时间:2019-10-18 23:57来源:未知 作者:admin 点击:
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  艺术设计(design),并不是对象的全部设计,而只是对象的艺术方面的设计。

  艺术设计是现代工业批量生产的条件下,把产品的功能、使用时的舒适和外观的美有机地、和谐的结合起来的设计。作为一种职业,它在20世纪初期诞生和形成。其理论的基本问题是生产和艺术、效用和美的关系问题。

  1、春秋时代的文献中,有很多记载涉及到艺术设计的观念。《老子》、《论语》、《大学》

  2、战国时期的《考工记》是我国第一部论述手工艺技术的著作,是我国古代技术史最重要的文献。在我国器物制作史上产生了重大影响。1、它总结了我国古代的器物制作经验,制定了器物制作的基本原则。2、它包含着丰富的艺术设计观念。以车为例,它关于车轮、车厢、车盖和其他部件的制作原则都充分体现了形式遵循功能的观念。车轮的制作要使使用者感到舒适,用现代术语说,要考虑到人体工程学因素。木车的制作还要考虑到文化象征意义。

  3、明朝宋应星《天工开物》集中国传统文化和科学技术于一身,“天工开物”史“天然界靠人工技巧开发出有用之物”这四个字集中体现了中国传统的造物思想。

  4清朝康熙年间李渔《闲情偶寄器玩部》中的艺术设计观念。他把器物看做感情的寄托。他善于通过排列布置,使无情之物变为有情之物。这样看待器物,就是造物在手而臻化境矣。

  1、 古希腊人理解的艺术包括音乐、绘画、雕塑、手工业、农业、医药、骑射、烹调等。艺术和技术是不同的然而相互补充的活动。

  2、 苏格拉底 产生了美和效用的关系问题,苏格拉底把美和效用联系起来,认为没必定是有用的,衡量美的标准就是效用,有用就美。有害就丑。

  3、 柏拉图 区分了绝对美和相对美。他称现实事物的美是相对美,而抽象形式如直线、圆平面和立体的美就是绝对美,是永远的美和为美而美的美。

  4、 西塞罗继承了苏格拉底关于美取决于功用的观点,认为有用的事物就是美的事物,并把这种观点运用到动植物和艺术中。区分出有用的美和装饰的美。

  5、 古罗马维特鲁威《建筑十书》论述了造物活动中没和功用的关系。提出了建筑的主要原则是“坚固、适用、美观的原则”。形式美和功能美要保持某种平衡。

  6、 奥古斯丁 区分出自在之美和自为之美。自在之美是是事物本身的美,自为之美是一个事物适宜其他事物的美,包含着效用和合目的性的因素。对艺术设计的启示是艺术设计都是有对象的设计,他应该针对消费者的实际需要。

  7、 达芬奇 文艺复兴时期的设计的一些产品,体现出艺术和技术的内在的统一。

  9、 19世纪,随着艺术家对生产过程的介入,器物的设计和制作也被看作是一种艺术。

  设计作为一种人类有意义的活动,其含义是在正式做某项工作之前,根据一定的目的要求,预先制定方法图样等。

  设计的两种表现形态:1 他只是生产过程的内部因素,没有从生产中脱离出来,产品的原型保留在生产这儿的头脑中,生产者也就是设计者。2 设计是相对独立的活动,生产者根据设计师预先设计的图纸进行加工。

  日本三井银行的象征图案设计非常成功,整组图案是由标志图形延侪变化而来,并对应用效果用了相应的规定,大面积的画面则使用整组图案,小面积的画面则使用一个单元的图案。像这样规划的象征图案非常便于展开运用,有利于强化视觉形象的识别效果。

  设计和生产的关系:1 设计和生产相适应,他们是一种统一的行为 2 设计适应生产 3 设计独立于生产,但对生产的影响很小,4 设计独立于生产,并对生产产生重大影响,以至于生产服从于设计

  艺术设计的复杂性表现为,它具有多种类型和模式。类型的多样性,既取决于各国社会经济结构和工业发展水平的差异,又取决于艺术设计对象的差异。艺术设计活动的复杂性和综合性,决定了艺术设计理论的复杂性和综合性,涉及哲学、社会学、美学、艺术学、经济学、文化学、人体工程学、工艺学等领域。

  艺术设计的变易性也很明显。最初它作为建筑的一部分,最有代表性的是“包豪斯”(意即“建筑之家”)的成立。后从欧洲移植到美国,20世纪30-40年代,独立于建筑而得到发展。美国的艺术设计主要是商业性艺术设计,以追求商业利润为目的。在风格上,它同式样主义处在密不可分的统一中,但游离于功能之外改变产品形式。50-60年代,德国乌尔木高等造型学校尖锐地批评了美国艺术设计的式样主义,使艺术设计摆脱式样主义。艺术设计逐步成为既不依赖建筑、又不依赖式样主义的一种独立的活动。

  2005年12月举行的中央经济工作会议指出:“要把增强自主创新能力作为科学技术发展的战略基点和调整产业结构、转变增长方式的中心环节。” 自主创新有三种方式:原始创新,集成创新,引进消化吸收以后再创新。基于艺术设计的以上特点,我们认为,艺术设计是企业集成创新的重要途径。

  1.艺术设计具有原型或原生材料,也就是说,它具有供集成的客体。而供集成的客体,不仅可以是同一种类或者相近种类的物体和现象,而且可以是比较疏远的种类的物体和现象。不同领域的客体可以组合,甚至不是整个客体、而只是客体的一部分、或者作用原则、功能特征、知觉特征也可以集成为新的统一体。

  2.艺术设计具有明确的目的性和强烈的功利性。发明与此不同,它往往是意想不到地产生的,或者是长期实验的结果。如:苏格兰人贝尔发明电话是原始创新,美国人德雷福斯设计了电话机的现代款式是集成创新。

  3.艺术设计起着进步的加速器的作用,起着某种技术催化剂和社会催化剂的作用。它把科学家和发明家所获得的发现、规律、原则、材料用于具体的现实,使它们进入工业、技术和日常生活中。

  艺术设计作为一种职业,产生于20世纪初期。英国人威廉莫里斯和罗斯金被后人追溯为艺术设计的先驱者。在19世纪末期发生的手工艺设计向工业艺术设计的过渡中,德国建筑家泽姆佩尔起到重要作用,德国艺术工业联盟则实现了这种过渡。受到德国艺术工业联盟的影响,英国和法国早期的艺术设计也得到发展。

  罗斯金是英国艺术理论家、画家、诗人和政论家,属于英国浪漫主义晚近的一代。

  他提倡复兴“富有创造精神的”中世纪手工艺。作品《建筑的七盏明灯》论述了建筑和装饰的设计原理,肯定“装饰是建筑的首要部分”,呼吁工业化的英国回到中世纪。

  作为一位道德学家,罗斯金关注艺术和技术相互作用的伦理方面,从道德主义立场批判资产阶级社会。

  英国19世纪中期形成的两种审美思潮——道德主义和唯美主义中,罗斯金作为道德主义的代表,认为审美和伦理是同一的,强调美的道德性;要求艺术具有高尚的道德内容,认为作品的艺术价值直接依赖于它所体现的思想的意义;丧失了美就同时意味着丧失了道德。罗斯金主张,倒退到手工生产中去。他并不反对技术本身,而是反对伴随技术所产生的资源严重消耗和自然环境的破坏。基于这个原因,罗斯金严肃批评了当时著名的建筑“水晶宫”,认为它的固定,彻底破坏了自然景观。

  罗斯金以文化学态度看待艺术现象,强调像阅读弥尔顿或但丁那样“阅读”过去时代的建筑。他在手工劳动中看到创造因素,并把这种劳动诗化。他是第一个始终不渝地把艺术、劳动和道德因素联成整体的人。

  关于19世纪下半叶建筑和实用艺术发生衰落,莫里斯总结了两点:首先,资本主义只承认带来商业利润的产品是唯一的价值,制造商由于采用机器,因而能够用同样的工时和成本生产多得多的廉价产品,导致产品艺术质量下降;其次,追逐利润的物质生产的增长导致劳动分工,丧失了劳动的创造性。他认为,每个历史时代艺术性质的决定因素是作为该时代基础的劳动的性质。

  

  莫里斯把罗斯金的思想付诸了实践。莫里斯的结婚新居“红房子”力求接近中世纪后期的风格。如采用了某些哥特式细部――尖拱顶、高坡度屋顶等。“红房子”不仅影响了私人住宅的设计,而且成为对人栖居的环境进行整体安排的范例。

  莫里斯参与创办手工艺研究同业行会――英国最早的设计协会之一。他主张把手工生产和机器生产相对立,同时他对产品结构十分关注。

  莫里斯把当时英国人不喜欢公开谈论的私人住宅和居住环境问题变成讨论的对象。他建议采用风格轻盈的室内装璜、明亮和色彩鲜明的墙纸、新的灯具和家具。1866年展出的“绿客厅”是未来室内装璜的实验设计,和“红房子”一样获得广泛的知名度。莫里斯以此表明艺术家参与环境设计的可能性。

  在艺术理论上,莫里斯重新评价装饰实用艺术和手工艺在整个艺术体系中的地位。如果说罗斯金注意过去时代建筑的历史方面和艺术方面,那么,莫里斯则把手工艺确定为艺术的基础。在他看来,其他各种造型艺术是从手工艺中产生和发展起来的。莫里斯认为,任何人都能够从事艺术创作,就像能说话一样,虽然造型艺术创作要求特殊的技能,要求学习艺术语言。所有的人都应该被吸引到艺术创造的活动中来。

  在美学理论上,莫里斯主张,每一代人都把人类所积累的文化当作遗产来接受他们知觉美和在劳动中体现美的艺术才能差不多是相等的。而各代人之间的差异在于表现他们才能的形式。例如,在中世纪很多人都从事艺术创作,因为他们生活在自然经济中,要为自己和周围的环境制造物品、建筑房屋。

  “如同英国的艺术与手工艺运动一样,欧洲大陆的新艺术运动具有复兴手工艺与装饰艺术的优点。毫无疑问,艺术与手工艺运动在追求质量坚实可靠和形式简练朴素之外,还追求比新艺术运动更高的道德价值。艺术与手工艺运动代表一种为社会尽职的行为,而新艺术运动在本质上是为艺术而艺术。”

  如果艺术与手工艺运动热衷于复兴中世纪艺术,那么,新艺术运动从大自然中吸取创作灵感。他们以日常生活作为艺术的对象,观察自然中昆虫、植物、动物的外在形态,从中提取设计元素,发展曲线美的设计。

  新艺术运动深受王尔德唯美主义美学的影响。唯美主义者按照“纯美”的原则安排生活,主张为了美的体验而对美进行体验。如:巴黎一个地铁入口采用金属铸造技术,模仿扭曲的树木枝干和蜿蜒的藤蔓,显得典雅而浪漫。

  20世纪初,泽姆佩尔“对同样也重视物品纯粹目的的德国应用艺术运动有强烈的影

  德国的泽姆佩尔在《科学,工业和艺术》一书中阐述了工业生产领域中艺术创作的衰落,主张通过改革艺术、研究和普及器物世界的美来改变现存状况。泽姆佩尔专门研究了科技进步成果和这些成果的审美利用之间的中间环节。他认为,这种中间环节就是形式,它形成了物质文化领域中艺术活动的特征。器物形式既取决于它所由制作的材料,也取决于体现原初构思的手段,以及影响某些形式形成的生产因素。

  《技术艺术和结构艺术中的风格,或实践美学》:研究了艺术中造型的历史规律,阐述了形式对功能、材料和制造工艺的依赖。泽姆佩尔的实践美学是19世纪中期欧洲文化的一部分,带有明显的实证主义色彩。借助风格的概念,泽姆佩尔指出了消融在艺术史中的原初形式和经常变化的象征形式之间的关系。而原初形式的决定因素有两点:一是器物的物质用途,二是器物制作所使用的材料。他的风格理论成为19世纪中期欧洲创立新建筑语言最有效的工具之一,这种语言的特征就是强调建筑基本结构符合社会任务的功能。

  德国艺术工业联盟成立于1907年,它的成立和反对青春风格等艺术流派有关。

  德国的青春风格与奥地利分离派的观点一致。青春风格源于希尔特于1896年1月1日在慕尼黑创办的《青春》杂志。该杂志声称“摆脱任何狭隘的观念,研究艺术问题和生活问题”。杂志封面饰以奇异的波形线条和花鸟图案,图案中间一些半裸的美女头发松散,姿态娇纵。杂志的波形装饰字体成为新风格的特征。

  在青春风格和分离派的影响下,德国和奥地利的大量建筑都装饰了奇异的自然图案。这派艺术家制作的家具中,腿和靠背的线条明显弯曲,吊灯和台灯的金属部分和灯罩使人想起植物的图案。他们十分注意原材料的美,强调原材料加工的高超工艺,直接模仿自然界——大地、水、风、飞禽、走兽、植物的那些结构原则和形式原则。

  在批评装饰和否定青春风格、分离派观点的背景中,为了讨论技术产品形式的审美本质和标准化对艺术发展的影响,德国一些建筑家、艺术家和工业家把艺术兴趣和研究对象相同的人联合起来,这种想法得到德国官方机构的支持,于是,德国艺术工业联盟成立。它是艺术和工业、艺术家和工业家的联盟,基本目的是追求产品的质量以及最好地体现这种质量的形式。

  德国艺术工业联盟受到罗斯金和莫里斯的影响。其章程指出:“艺术工业联盟的目的是通过艺术、工业和手工艺的共同努力,提高工业产品的质量,并且宣传和全面地研究这个问题。艺术家、工业家、生产问题专家、以及‘候补会员’可以成为联盟的会员,整个团体和机构可以被接受为‘候补会员’。”艺术工业联盟首先在德国产生与当时德国产生了世界上第一批大型垄断组织有关。在垄断组织中,形成了艺术家和工业家的牢固联盟,展示艺术任务和生产任务新型的相互关系。由于许多著名企业家的加入,艺术工业联盟影响极大。它吸引了大批有才能的艺术家从事工业工作。

  德国艺术工业联盟的颠峰之作是1927年在斯图加特举行的怀森霍夫住宅展览会,形成了新的住宅概念,从房屋到咖啡杯的一切物品,都处在统一的风格中。

  德国艺术工业联盟公开追求商业目的,它的活动提高了工业产品的质量,增强了德国工业产品在世界市场上的竞争力。

  英国于1915年成立了艺术设计和工业协会。它的成员有艺术设计师、工业家和商人。它的工作包括举办展览,争取订货,制定艺术设计工作评价标准等。它编辑、出版有影响的报刊,这些报刊详细研究了英国艺术设计实践;组织讨论艺术设计和建筑著作的书评。

  英国工业艺术家协会成立于1930年。最初是由若干艺术经理和所选举的委员会领导的团体。它的作用在于协调与客户和其他创作团体的联系,这些创作团体包括:英国皇家艺术协会、广告艺术家协会、国际艺术家协会、英国建筑家协会。它没有自己的杂志,在各种专门的和一般的艺术刊物上发表文章,阐述自己的立场。

  英国20世纪上半叶最重要的艺术设计理论家里德,其代表作《艺术和工业》对英国艺术设计界当时最关心的艺术和工业的关系问题作出总结。

  该书分为“问题的提出:历史方面和理论方面”,“形式”,“色彩和图案”以及“工业时代的艺术教育”四个部分。全书的主要观点为:(1)近百年来,人们一直试图赋予工业产品以审美外观。这通常会提高产品的造价,对劳动生产率产生负面影响。装饰成为一种奢侈。不应该使工业产品适应过去手工艺的审美标准,而应该制定符合现代生产方法的新的审美标准。(2)艺术在其历史发展中是完整的,但其具体形式不断变化。为了消除艺术和工业之间的矛盾,不仅要考虑到现代生产的要求,而且要理解艺术创作的本质。艺术赋予材料这样一种形式,它在情感上或理智上吸引人的注意,并激起人的感情。这表明艺术形式的作用具有普遍性。(3)新材料的运用,建筑的革命,交通和通讯的更新,这一切提出了生活环境改造的许多问题。生活环境应该具有统一的风格。有人也许会认为美和艺术完善的问题会花费过多的精力和时间。(4)能否以艺术创作的尺度看待工业产品?为了回答这个问题,里德主张把艺术分为两种:人的艺术和抽象艺术。在人的艺术中,人的意义占主导地位,艺术形式是理想和情感的传播者。在抽象艺术中,注意力不集中在理想上,而集中在形式上,形式直接诉诸人的审美体验。

  法国20世纪前期艺术设计最重要的代表是柯布西埃,美学家苏里奥则是一位重要的艺术设计理论家。

  柯布西埃出生于瑞士一个钟表雕刻工家庭,在法国接受过艺术教育。他把现代技术成就同形式和造型结合起来,在住宅和公共设施中展示了现代设计的各种可能性。自1917年起定居巴黎。1918年他和法国画家奥藏方一起制定了纯粹主义理论,试图把经济和机器时代的规则引人绘画,简化地勾画日常生活用品(多为家庭用具)的线条轮廓。他认为,人栖居的现代环境包括城市建设、建筑和产品世界。

  在《城市建设》中,柯布西埃描绘了理想城市的图景。摩天大楼创造了垂直的城市,直指苍穹,阳光灿烂,空气充足。摩天大楼巨大的几何图形正面,全部用玻璃建造,大楼像水晶一样清澈透明。楼群的底部建造公园,使整个城市连成一个巨大的花园。柯布西埃把工业

  化时代的住宅理解为现代城市总结构的基元。他为1925年巴黎世博会设计的“新精神”展馆,就是这种基元同等规模的模型。每一套公寓是一个立方体,660套公寓可以建在一起,形成一种社区。

  柯布西埃的创作重新思考了结构功能因素在艺术形象设计创造中的作用,在许多方面决定了20世纪建筑和艺术设计的风格。他认为“现代装饰艺术没有装饰”,他把重点转椅到纯粹比例和简单几何图形的和谐上,制定了以人体比例为基础的各种尺寸和谐的系统,并在著作《人的三种规定》中对此作了论证。

  苏里奥倡导理性主义美学,论证理性美。所谓论证理性美,就是寻求客观的、甚至国际上通行的美的技术形式。与当时非常流行的实验美学“自下而上地”寻找美的客观规律相反,苏里奥“自上而下地”从哲学上论证这些规律。他还把理性主义原则运用到艺术创作和趣味问题上,反对印象派观点,强调趣味判断中感情和理智的共同作用。

  设计素描、设计表达技法、平面构成与设计、色彩构成与设计、立体构成与设计、工业设计导论、工业设计史、模型制作、工程制图、工程力学、机械设计基础、机械制造基础;平面设计、产品形态设计、多媒体设计表达、技术美学;产品设计程序与方法、产品计划与价值分析、产品创新设计、计算机辅助产品设计、计算机辅助工业设计、产品设计原理等。

  动画设计方向强调坚实的绘画基础和美术功底,注重学生的审美素质和创造性思维的培养。学生在该专业将学习诸如动画运动规律、动作设计、动画材料等专业基础课程,同时学习剧作、视听语言、表演与肢体语言等相关的电影知识。在综合艺术素质提升的同时,学生将学习各种动画制作软件并探索各种先进的创作技术。学生在校期间有条件根据自己的想法创作独立动画艺术短片,教师将根据学生具体情况指导学生完成短片创作;学生毕业时将掌握从前期策划、中期制作和后期合成这一完整的动画制作流程,制作出具有专业水平的动画作品。

  动画运动规律、 材料动画、动画艺术概论、动作设计、电影视听语言、分镜头剧本设计、导演基础、动画片创作等。

  景观建筑设计方向主要是为我国的景观建筑设计和规划事业输送专业人才。教学内容综合了艺术设计、景观建筑设计规划和园林方面的专业课和基础课,除教学以外,景观建筑设计专业设立了研究工作室,其主要职能是在推进专业教学的同时,积极开展本领域的研究工作和创作设计实践,为推动景观建筑设计的发展做出贡献。

  学生毕业时将掌握从前期策划、中期制作和后期合成这一完整的动画制作流程,制作出具有专业水平的动画作品。

  动画设计方向强调坚实的绘画基础和美术功底,注重学生的审美素质和创造性思维的培养。学生在该专业将学习诸如动画运动规律、动作设计、动画材料等专业基础课程,同时学习剧作、视听语言、表演与肢体语言等相关的电影知识。在综合艺术素质提升的同时,学生将学习各种动画制作软件并探索各种先进的创作技术。学生在校期间有条件根据自己的想法创作独立动画艺术短片,教师将根据学生具体情况指导学生完成短片创作;学生毕业时将掌握从前期策划、中期制作和后期合成这一完整的动画制作流程,制作出具有专业水平的动画作品。

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